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António Carvalho da Silva Porto – LE PEINTRE DE LA SERENIDADE

PORTUGAL
PORTO
Museu Nacional Soares dos Reis
silva-porto-signature-assinatura-artgitato

assinatura – signature de Silva Porto




Photo Jacky Lavauzelle

António Carvalho da Silva Porto

Musée national
Soares dos Reis 

SILVA PORTO
LE PEINTRE DE LA SERENIDADE

 11 novembre 1850 Porto – 11 juin 1893 Lisbonne
11 de novembro de 1850 Porto – 11 de junho de 1893 Lisboa
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Praia de Póvoa de Varzim
Plage de Póvoa de Varzim
Assinada Signé
1884
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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No Areinho – Douro
Assinada Signé
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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Colheita – Ceifeiras
La Récolte
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada e datada 1893
Signé et daté

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Uma Marinha
Marine
Compondo as redes – Itália

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Cancela Vermelha
Porte Rouge
1878-1879
Assinada Signé
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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Perfile – Profil
Retrato de Adelaide Porto
Portrait d’Adelaïde Porto
Datada – Daté 1882
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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Costume de Capri
Cabeça – Tête
Assinada Signé
Datada – Daté 1877
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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Silva Porto
Costume de Companha Romana
Costume de Campagne Roumaine
Assinada Signé
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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Paisagem
Paysage
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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A tigela partida
La cruche brisée
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada Signé

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Paisagem – Paysage
Margens de rio Vizela
Au bord de la Vizela
[Rivière qui nait dans le Alto de Morgaír et qui coule dans la région de Braga – Guimarães]
Assinada
1884

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Silva Porto
Cascata
Chute d’eau
Assinada Signé
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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Silva Porto
Conducão do rebanho
La conduite du troupeau
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada Signé
Datada – Daté 1893

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Macieira em flor
Pommier en fleur
Óleo sobre tela – Huile sur toile
datada daté 1893

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Apanha do Sargaço
La cueillette de sargasses
Assinada Signé
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

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Barcos
Les Barques
Assinada Signé
Óleo sobre Madeira – Huile sur bois

silva-porto-barcos-les-barques-artgitato

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Paisagem – Rio de Portuzelo
Paysage – La rivière Portuzelo
[Distrito de Viana do Castelo]
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada e datada 1892
Signé et daté

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Canal
Veneza – Venise
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada e datada 1877
Signé et daté

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Um Campo de Trigo
Un champ de blé
[Arredores de Paris – Dans les environs de Paris]
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada Signé
1878-1879

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Uma Paisagem representando a planicie
Un paysage de plaine
Détail – Detalhe
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada Signé
Datada – Daté 1876

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Entrada de uma aldeia
Entrée d’un village
Caminho na Normandia
Chemin de Normandie
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada Signé
Datada Daté 1877

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Estudo de Paisagem
Etude de Paysage
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada Signé
Datada – daté
1874

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Floresta – Forêt
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada Signé
1874-1879

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Um pequeno esboço de paisagem
Un petit croquis de paysage
Assinada et datada
Signé et daté
1876
Óleo sobre tela – Huile sur toile

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As margem do Oise, em Auvers (Seine-et-Oise)
Les bords de l’Oise à Auvers
Óleo sobre tela – Huile sur toile
Assinada Signé
1876

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Silva Porto
Le peintre de la Serenidade

 

Adolf Kosárek – Zimni Noc – La nuit d’hiver de 1857

Adolf Kosárek
(1830-1859)

Adolf Kosárek Zimni noc Nuit d'hiver Winter night 1857 Artgitato 2

Zimni noc – Nuit d’hiver – Winter night
1857
(Palais Schwarzenberg – Schwarzenberský palác)

LE CIEL A PORTEE DE MAIN

Ozenfant et Jeanneret en reprochant le côté décoratif du cubisme soulignait « assez de jeux. Nous aspirons à une rigueur grave« . Cette rigueur, Adolf Kosárek  la trouve dans son Zimni noc, nuit d’hiver, de 1857, qu’il peint à 27 ans, deux ans avant sa mort.

Plus que du grave, il touche le dessus de la montagne. En mêlant ciel et terre, il rend irréel le réel. Où se tend le paysage qui dans le lointain se perd. Par le trouble et le doute, Adolf Kosárek nous montre que l’apparition se fait dans la disparition. Celle de la terre, de la neige, de la nuit, de nos doutes et de nos peurs.

 Adolf Kosárek  révolutionne dans une facture illusionniste, dans une nouvelle et étrange figuration. Révolutionner, c’est d’abord douter et ensuite troubler. Questionner l’ordre établi. Le ciel est à portée de pas, de main. Ainsi se conduit le rythme d’une discussion théologique, voire métaphysique.

Par petites touches indépendantes, là la chaumière, là l’arbre dans la tempête, là-bas les hommes retrouvant l’âtre et la chaleur. Ces apparitions se font alors dans la rapidité de l’éternité. Ainsi  Adolf Kosárek spatialise le temps qui passe. Les lumières et les ombres remplacent les aiguilles. Le jour et la nuit voudraient cohabiter. Le soir est là. Peut-être le matin.

C’est dans cette partition spatiale et symphonique, dans cet ensemble polyvalent, modulable que le chaud pénètre le spectateur, le chaud des lueurs et des feux. Le chaud du chaos du noir qui ne tardera pas à venir et à emporter et le ciel et la neige et nos yeux.

Dans cette direction,  Adolf Kosárek se met au service d’une doctrine, le romantisme, pour mieux l’étouffer et l’évacuer. C’est la cohérence interne qui domine et lisse l’œuvre afin de nous faire oublier la religiosité de la toile.

L’homme résiste par touches grises et noires. L’homme résiste encore à ce temps qui désormais est compté. L’homme est là, mais va bientôt disparaître. Il ne reste que les dos et les ombres. Pas plus qu’un sapin.

La nature est alors là pas aussi sereine que ça. Les lumières ne tarderont pas à s’éteindre les unes après les autres. Les rêves pourront alors cheminer du dedans des couches, au dessus des toits, par delà les chemins tracés de longues dates et par d’interminables balades.

Du calme de la neige, nous naviguons dans le tourbillon des nuages au-dessus d’une lune solaire. Du calme du cœur, nous glissons dans cette végétation étonnement inquiète et torturée. Mais notre regard reste au centre, constamment.

Sinon Adolf Kosárek nous glisse illico dans la chaumière de dieu, un peu plus haut que les yeux, mais toujours dans la toile.

Jacky Lavauzelle

Adolf Kosárek Zimni noc Nuit d'hiver Winter night 1857 Artgitato1

« Kosarek peint son célèbre nuit d’hiver après son retour de son voyage en Baltique; ce tableau était présenté à l’exposition annuelle en 1857.
La grande toile évoque l’ambiance d’hiver poétique du réveillon de Noël dans le paysage de fantaisie romantique, et a été autant inspiré par son voyage à Rügen que par des motifs tirés de ses hautes terres de Bohême-Moravie. »

Adolf Kosárek Zimni noc Nuit d'hiver Winter night 1857 Artgitato 7

Adolf Kosárek Zimni noc Nuit d'hiver Winter night 1857 Artgitato 8

Adolf Kosárek Zimni noc Nuit d'hiver Winter night 1857 Artgitato 3

Adolf Kosárek Zimni noc Nuit d'hiver Winter night 1857 Artgitato 4

Adolf Kosárek Zimni noc Nuit d'hiver Winter night 1857 Artgitato 5

Adolf Kosárek Zimni noc Nuit d'hiver Winter night 1857 Artgitato 6

 Photos Artgitato

MORTE NATURE de PAUL DELVAUX

PAUL DELVAUX

MORTE NATURE PERDUE
Dans la perspective

 Delvaux eloge de la mélancolie

Dans l’Eloge à la mélancolie (1948), la seule plante de la toile est maîtrisée, contrôlée. Elle reste dans un coin derrière le sofa. Son utilité n’est plus que décorative. Elle prolonge la coiffure de la dame couchée, dans les mêmes tons. Elle atténue encore une fois, comme une ombrelle, la lumière un peu crue de la lampe. Elle ne la regarde pas, elle l’ignore.

Dans la Prière du soir (1966), l’arbre est scellé dans le macadam. Les racines sont maîtrisées. Pas une oncePaul-Delvaux-Pri-re-du-soir de terre ne permettra à l’arbre de grandir. Il est donc condamné à mourir. Il est resté là au même titre que les lampadaires qui donne de la lumière, lui donne de l’ombre. Il en a la même verticalité pour un usage inversé. Jour-Nuit, Ombre-Lumière.  

    • L'Acropole, 1966 1acLe même procédé se retrouve dans l’Acropole (1966) ou dans Promeneuses et Savant (1947).
    • La nature, quand elle apparaît, chez Delvaux est, le plus souvent, ravagée, lunaire, faite de rochers volcaniques au loin. Comme après une grande catastrophe. Tout est le plus souvent à nu comme les corps. Le gris renforce la sensation de froid. Les corps ne sont jamais lascifs. Ils sont couchés comme dans
      La Vénusdelvaux la Venus endormie endormie (1942), ou morts. Dans celle de 1932, Paul Delvaux montre des personnages en deuil autour de la Vénus.
    • delvaux l auroreDans l’Aurore (1937), l’arbre et la femme fusionne, comme un nouvel animal mythologique. Mais ce n’est pas la Terre qui se féminise, c’est la femme, l’homme, qui se fige déjà, qui se mortifie. Les corps ne sont pas libres. Ils sont là déjà dans la terre de ce cimetière. Une partie de leur corps ne leur appartient plus. La mort est dans le corps, envahissante. Le feuillage n’existe plus. Exit le cycle des saisons. Exit les couleurs, les tons. Exit la vie.
    • Dans le Pygmalion (1939), la végétation est là, la fleur aussi. Pour une fois, la nature bouge et vit. Mais cedelvaux pygmalion n’est plus de la nature, c’est de la parure. Le feuillage n’est rien d’autre qu’un chapeau, comme plus haut dans l’Eloge à la mélancolie. La tige de la fleur part des jambes, tourne autour de la cuisse, comme le lierre tourne autour de l’arbre affaibli et malade déjà. La tige ne vient d’aucune terre, d’aucun pot. Elle va donc mourir, se faner, rapidement. Elle vient d’être coupée au service d’un désir superficiel de la femme. La nature est comme le diamant ou l’or. Après l’avoir détruite, la prendre comme parure.  
  • delvaux le miroir Le Miroir (1936), montre de l’autre côté une image différente. A la femme habillée répond la nudité, à l’intérieur délabré à la tapisserie tombante, un paysage. C’est ce que la dame au premier plan veut voir d’elle-même. Non une femme, mais son désir, ses fantasmes ; non un paysage gai et frivole, mais une nature maîtrisée donnant plus de relief à la courbe de ses seins et de tons à sa chevelure blonde. Il n’y a nulle envie de retour vers une phase originelle, bien au contraire. La nature, elle l’imagine mais ne la voit pas, ne la regarde plus. A quoi bon ?
  • L’homme remplace le soleil par sa lumière incandescente. L’homme s’élève au-dessus des arbres, comme dans Le Viaduc (1963). La ligne du train surmontera toujours les derniers arbres encore sauvages qui résistent encore. Les lumières sont partout, celles des hommes, en dessous par le lampadaire, au-dessus par la lampe et l’éclairage du chemin de fer. Dedans par les lumières vives de la maison. La nature est englobée, ne reste plus qu’à l’asphyxier.

Dans Exil, le poème que Paul Eluard dédicace à Paul Delvaux, parle de ces femmes « Loin de l’odeur destructrice des fleurs, Loin de la forme explosive des fruits ». La nature doit être repoussée, oubliée. C’est elle ici qu’il faut tuer. Place à la ligne directrice, à l’ordonnancement des droites et des lignes de fuites…

 … comme dans Trains du soir (1957) ou dans La nuit de Noël : pas de rouge (à l’exception encore de la robe), paspaul-delvaux-train-du-soir de vifs. Non du gris-bleu au gris-vert pour aller vers le gris-gris. Pas un arbre, pas une fleur. Juste une petite fille toujours sur le côté. Si petite dans ce noir ici et au bout de la perspective. Si petite et si impuissante, qu’elle nous tourne le dos.

Jacky Lavauzelle

La Tempête de Giorgione : LES 5 PARADOXES

La Tempête – La Tempesta
(entre 1500 et 1510)

Les cinq paradoxes
de Giorgione

 

Giorgione Autoportrait en David

Il ne sert à rien ici d’élaborer des scénarii abracadabrantesques, du genre Moïse, Pâris, le repos de Saint Joseph, Aphrodite, la colère de Zeus, etc. et toutes les tentatives d’explication pour comprendre ce tableau.

 DES INVERSIONS DES VALEURS
Il suffit de voir et de lire l’évidence première, incontestable. Notre lecture se base sur d’évidentes contradictions. La tempête serait à la peinture ce qu’un des sonnets de Louise Labé est à la poésie : une totale et complète inversion des valeurs et des sens : « Je vis, je meurs ; je me brûle et me noie. J’ai chaud extrême en endurant froidure : La vie m’est et trop molle et trop dure. J’ai grands ennuis entremêlés de joie. Tout à coup je rie et je larmoie, Et en plaisir maint grief tourment j’endure… » (Sonnet VII)
 Voyons d’un peu plus près.

 1/Le premier paradoxe : Giorgione appelle une tempête une scène qui représente un orage. La tempête est tumultueuse et large alors que notre orage est claquant, bref et localisé. La tempête assombrit alors que l’orage illumine de ses éclairs les bâtiments blancs qui longent la rivière. Nous attendons du noir et nous avons du blanc irradiant. Quand Tacite dans le Livre II des Annales parle d’une tempête par « un sombre amas nuages d’où s’échappe une effroyable grêle. Au même moment les vagues tumultueuses…ôtent la vue des objets » (XXIII). Le tableau de Giorgione est si clair que tous les détails sont visibles. Tout est transparent, limpide.

 

Giorgione la tempête

2/ Le second paradoxe : la tempête (ou l’orage) apporte de l’inquiétude et  de la peur. Les personnages de la scène sont sereins et tranquilles, comme absents. Pour eux, il ne se passe absolument rien. Nous ne sommes pas pendant l’orage, mais avant ou après. Nous ne sommes donc pas dans le temps présent. Le décalage est là.

 3/ le troisième paradoxe : le pont et les êtres. Le pont reste l’élément central du tableau ; en plein milieu. Le pont relie les deux rives, et plus généralement les êtres en permettant de communiquer, de se voir, de se parler. Dans notre tableau et malgré le pont, les êtres ne communiquent pas. Le promeneur regarde la dame qui nous regarde en donnant le sein à un bébé absorbé dans sa tâche.

 4/ le quatrième paradoxe : l’homme à gauche est en tenue de l’époque de son temps dans une partie composée d’un paysage antique en décomposition et en ruine. Alors que la dame dans la partie droite est quasiment nue dans une partie moderne d’un début XVIème siècle. Giorgione inverse les personnages en les positionnant dans des lieux devenus, par cette simple translation, étranges.

 5/ Gustav Friedrich Hartlaub parle d’une illustration des quatre éléments : l’eau, la terre, le feu et l’air. C’est exact, tous les éléments sont présents et c’est le cinquième paradoxe, ils se mélangent et s’interpénètrent. Dans le ciel, l’air avec ce feu qui déchire l’atmosphère en reliant les remparts aux frondaisons. Le bas du tableau où l’on suit le cours d’eau en le perdant, en retrouvant une motte de terre qui ne semble plus rien séparer, croyant même que la rivière a été déviée et retrouver notre eau dans le bas du tableau, par on ne sait quel chemin ou nappe secrète.

 En fait nous sommes là, au XVIème sans y être, dans ce lieu sans y être. Comme le souligne le paradoxe du lieu de Zénon, « Si tout ce qui est, est dans un lieu, ce lieu même doit être dans un autre lieu, et ainsi indéfiniment. »               

Jacky Lavauzelle

COROT : LA TRANQUILLITE DU VIDE

Jean-Baptiste Camille COROT

Corot portrait de Louis Robert

LA TRANQUILLITE DU VIDE

Corot Jeune fille à sa toilette

RIEN AUTOUR DE L’ÊTRE

Le paysagiste Corot, dès qu’il peint des personnages, les isole dans un vide ocre, vert, terre. Il n’y a rien autour de l’être, des vastes étendues de couleur rayées par des trais gras et épais d’une table ou d’un rebord de fenêtre. Parfois, deux taches blanches voûtés, dans la Moissonneuse tenant sa faucille, la tête appuyée sur la main de 1838, nous rappellent des paysans au travail, mais très loin, un presque rien. Ou deux taches brunes et un petit triangle, nous évoquent des baigneurs et un voilier dans Mère et enfant sur la plage de 1860-1870. Deux fleurs sur la gauche se sont perdues dans le Portrait de Madame Charmois de 1845, ainsi qu’un arbre sur la droite, si

Corot portrait

UN ESPACE DE TERRE

seul, si loin. Un groupe minuscule de maisons perchées et deux tiges de chaque côté encadre Agostina de 1866.

Et sinon rien. Un espace immense ou microscopique. Les êtres ne sont pas là, ou sont loin. Cette espace semble de terre. Et l’être s’en dégage comme absorbé.

Y A T-IL QUELQUE CHOSE DE REEL ?

Dans un espace hors du temps. « Nous avions oublié le temps, et l’espace immense avait rapetissé dans notre attention. Hormis ces arbres proches, ces treilles éloignées et ces derniers sommets à l’horizon, y avait-il quelque chose de réel, quelque chose qui aurait mérité le regard grand ouvert que l’on accorde aux choses qui existent. » (Fernando Pessoa, Dans la forêt de l’absence, trad. D. Touati)

Des êtres seuls, tristes, la tête penchée, comme affligée. La Jeune fille à sa toilette de 1860 nous regarde en coin. Saisie dans son moment intime, une mèche de cheveux dans les mains. Gênée. Un regard réprobateur. Il lui tarde que nous partions.

Corot portrait4DES REGARDS VIDES ET PERDUS

La Femme à la fleur jaune a tout pour être gaie. Nostalgique, voire romantique. Nous ne le serons jamais. Elle se tourne sur le côté, ne laissant apparaître qu’un vague visage au détriment de cette fleur, seule dans le centre.

Le portrait de Louis Robert est celui d’une enfant jouant à la corde. Son regard est vide, perdu, sans expressions.

De rares tableaux apportent un semblant de joie et de bonne humeur, comme celui de la Moissonneuse tenant sa faucille. Elle sourit vraiment, enfin une main cache une partie de sa bouche. Marietta, l’Odalisque romaine de 1843, elle, semble sourire. Ou alors se moque t-elle.  De tels sourirs semblent habiter Octavie Sennegon ou Marie Louise Laure Sennegon, enfant, nièce de Corot.

Les visages tristes ou sans expressions occupent la majorité des portraits, à l’image de cette femme assise les bras croisés ou cette femme à la mandoline.

Corot portrait 2

 

Corot portrait 3

Une JOCONDE REINCARNEE dans chaque portrait

Les portraits à la mine de plomb de par leur traitement sont les plus sombres et les plus inquiétants. Quelques regards apaisés s’en échappent, comme la Fillette portant le béret.

L’être est dans son entier, sculptural. Va-t-il se révéler ? S’ouvrir dans ce vide ainsi placé ? Afin de révéler une autre dimension.

« Quand le monde-extérieur s’ouvre comme une porte
Et, sans que rien ne s’altère
Tout se révèle divers. »
(Fernado Pessoa, Ode Maritime)

 Les bras croisés, la Jocode erre langoureuse dans un espace intemporel au coeur de chaque portrait.

 

Jacky Lavauzelle

Philippe Maliavine L’IVRESSE DU ROUGE Филипп Андреевич Малявин


PHILIPPE MALIAVINE
Филипп Андреевич Малявин
800px-Filipp_Maliavin_by_Filipp_Maliavin_(1869-1940)
1869—1940
L’Ivresse du Rouge

 

L’Ivresse du ROUGE

Maliavine 1906 détail

Un moment avec Philippe Maliavine, c’est un instant dans l’âme russe, dans le rouge de l’âme, dans la passion qui explose au milieu des fêtes enfiévrées, sublimant le grenat de sentiments exacerbés.

LA CHASSE A L’HOMME

Des cris dans les vapeurs d’excès, les pleurs aussi qui illuminent les lumières de la nuit. Les femmes sont là, entre elles. Elles rient déjà de la bêtise des hommes qui sont là à attendre.

“Elles connaissent le manière d’attirer les hommes pour elles, de même que pour leurs filles. Car

maliavine 6

nous, les hommes, ne savons pas et cela parce que nous ne voulons pas savoir. Le sentiment le plus désintéressé, le plus poétique, que nous nommons l’amour, dépend, non point des qualités morales, mais d’une intimité physique, d’une coiffure, d’une couleur ou de la coupe d’une robe. Elles ne pensent qu’à cela, c’est leur seule occupation. Le plus horrible, c’est de voir toutes les jeunes filles s’occuper de cette chasse à l’homme.” (Léon Tolstoï, La Sonate à Kreutzer, VI & VIII, trad. Ivan Slobodskoy)

UN ETALAGE DE PRODUITS GASTRONOMIQUES

Oublions les gris, les rouges timides et les tons pâles des Kuindzhi, Terk, Harlamoff, Bilibine, Musatov, Repine. Seuls Andréi Lanskoy ou Abraham Arkhipov, soutiennent la ferveur des couleurs et des tons larges, somptueux et généreux. Mais retournons à la fête. Tout dépend donc d’une couleur. Il s’agit de ne pas se tromper. Prenons donc celle de la passion, de la vie, du désir. Evidemment, nous prendrons le rouge…

“Les hommes font naître en moi une curiosité malsaine…et très vive. Je suis jolie, voilà mon malheur ! Au lycée, en seconde, les professeurs me gratifiaient déjà de tels regards que j’en avais honte et que je rougissais, ce qui semblait leur faire grand plaisir : ils souriaient comme des gourmets devant un étalage de produits gastronomiques. » (Maxime Gorki, Les Estivants, Acte III, trad. Genia Cannac)

Maliavine Jeunes Paysannes

A S’EN PEINTURLURER L’ÂME

Mettons du rouge, sur les lèvres et sur la table, sur nos joues et sur nos robes. « Elle a l’habitude de se mettre du rouge sur la gueule…et elle veut s’en peinturlurer aussi l’âme…y mettre un peu de fard. » (Maxime Gorki, Les Bas Fonds, Acte III, trad. Genia Cannac)

Les filles sont là, toutes là, devant nous, franches. Elles ne détournent pas la tête, ni ne baissent le regard. Pas de temps à perdre ! Elles ont mis le rouge, du rouge avant tout. Tout ce soir captera la lumière et les yeux. Il n’y en aura que pour elles. Loin le travail du jour et des champs. Loin le froid de cet hiver qui jamais ne finit. Ce soir, elles le savent, ce sera le bon soir.

 “Le malheureux ne savait où donner de la tête pour dénicher les camélias en vue du bal d’Anfissa Alexéïevna… Pour faire son effet, Anfissa Alexéïevna désirait des camélias rouges.” (Dostoïevski, L’Idiot, I, XIV, trad. A. Mousset)

VERS LE DOULOUREUX TREPAS

Peu importe, si la luxure est un vice, Dante ne la décrit-il pas qu’au début de l’Enfer, qu’au deuxième cercle seulement. Satan est bien loin, au fond de ce cône. Il peut attendre, nous ne risquons pas grand chose. Peut-être, seulement sentir quelques relents de son haleine fétide.  Rions et profitons. Oublions, tant qu’à l’heure, belles encore nous sommes.  “Poète, volontiers je parlerais à ces deux-ci qui vont ensemble, et qui semblent si légers dans le vent…Si fort fut mon cri affectueux. O créature gracieuse et bienveillante…Hélas, que de douces pensées, et quel désir les ont menés au douloureux trépas !” (Dante, L’Enfer, Chant V, trad. J. Risset)

Maliavine Le cri 1925

Mais au diable les tourments et que nous importe demain. La fête bat son plein. Les serveurs et les danseurs nous attendent. Pensons à cet instant suave et joyeux. Les copines attendent. La fête ne fait que commencer. La nuit sera longue. N’entendez-vous pas la musique ? Laissez-vous emporter, prenez le ruban rouge et laissez-vous guider !

TE CEINDRE DE MON RUBAN ROUGE

Oustienka était une jolie fillette, petite, grassouillette,

Maliavine Le Peintemps 1927

vermeille avec de petits yeux bleus, joyeux, un perpétuel sourire sur ses lèvres rouges, perpétuellement en train de rire et de bavarder.” (Léon Tolstoï, Les Cosaques, XXV, trad. Pierre Pascal)…” Puis, clignant des yeux, haussant les épaules et esquissant un pas de danse, il chanta : je t’embrasserai, t’enlacerai, je te ceindrai d’un ruban rouge. Je t’appellerai : cher espoir !” (XXVIII)

Au diable les mots ! Rentrons dans la danse !

Jacky Lavauzelle

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Philippe Maliavine

Félicien ROPS : LE CHARME DEMONIAQUE DE LA LUXURE

Peinture & illustration

Félicien ROPS

1833-1898

 Le charme
démoniaque

de la luxure

Terminus esto triplex : medius majorque minorque. Le triptyque de Félicien Rops deviendra l’homme pour le minorque, la femme pour le medius et la mort et le démon comme majorque. Le sujet sera l’homme. L’homme dans sa faiblesse, dans sa condition ordinaire. Il sera le commencement. Il sera donc en bas, écrasé au fond de la toile, du dessin ou de l’illustration. Se protégeant de quelques malheureux livres, qui, malgré leur épaisseur et leur densité de propos, ne pourront rien devant l’image se donnant à leurs sens déboussolés.  La femme sera l’objet, l’objet du désir, l’objet qui existe en dehors de l’homme et qui est, pour lui, le but à atteindre, à posséder. Elle se tiendra au milieu de l’œuvre, en son centre. La mort, Satan, enfin, sera la conclusion, la fin dernière, la cause finale. Elle se tiendra tout en haut, dans les cieux assombris.

Félicien Rops Illustration Les Sataniques Paris Musée du Louvre


Sur un plan horizontal, le triptyque se déplacera de la façon suivante : l’homme, devenu à la longue gros cochon tenu en laisse, sera à gauche, la femme au centre et la mort à droite. Rops s’approprie le trio : l’homme, le Christ et Dieu. Dans le sien, l’homme ne veut pas atteindre le divin, il cherche à posséder la femme, marionnette du démon. La femme reste un subterfuge du Malin pour attraper l’humain dans ses filets maléfiques. Le Diable n’ayant pas de vérité en son sein, utilise le faux, le masque, la tromperie. La laideur du faux s’habille en femme dénudée et lascive. La femme se représente donc souvent avec ce masque, comme dans la Parodie humaine (vers 1880), ou avec Satan derrière son dos, dans Son altesse la femme de 1885, avec la présence d’une gargouille satanique à droite et d’un diable peint avec sa fourche à gauche.

Félicien Rops Illustration du livre d'Octave Uzanne Son altesse la femme 1885

Elle sera donc parée de magnifiques atours, ou tout simplement dévêtue, s’offrant à un homme qui ainsi perd toute lucidité, tout libre-arbitre. L’homme est celui des romantiques et d’Epicure. Il faut suivre ses passions et les vivre totalement. La volonté de la nature, de notre nature, est toute puissante. La liberté part en fumée et devient ruine de toute morale. Coup de foudre pour un coup du ciel, derrière lequel se cache un coup d’enfer. Il se porte sur l’objet du désir avec autant de fougue qu’il ne pourra, dans cette précipitation, que tomber dans le piège.

La femme est déjà vidée par le Diable qui en a déjà pris possession. A moins qu’elle ne soit sa créature. « Parfois dans l’exorcisme d’une femme, le démon feint qu’elle se trouve malade, afin que l’Exorciste soit forcé de la toucher au visage, ou il feint de se blesser afin d’amener l’Exorciste à d’autres attouchements et le porter ainsi à des pensées voluptueuses. Il faut donc que l’Exorciste, autant des yeux que des mains et de ses autres mouvements, soit d’une extrême prudence et pudeur… » (Le livre secret des Exorcistes, Chapitre VII, De la nécessité de la pudeur, Ruses multiples du Démon)

Félicien Rops Parodie Humaine 1878 1881

Elle devient le tropisme de l’homme, le poussant à agir de manière Félicien ROPS Nu assis Négatif JLinconsciente, poussée par son désir, dans une fulgurance délirante. En quelques secondes, l’homme d’esprit deviendra un fieffé cochon, grouinant à peine, satisfait de son sort. Le tropisme deviendra psychotrope en neutralisant les fonctions cognitives avec en plus des phénomènes de dépendance et de toxicité, la mort se trouvant au bout du chemin. Dans la Bible, il est écrit (Jacques, 4, 7) « soumettez-vous donc à Dieu ; mais résistez au diable et il fuira loin de vous. »  Notre tropisme, lui, dirait en somme :  succombez donc au diable sans résister à la femme et vous fuirez loin de Dieu. 

La tentation de saint Antoine de Félicien Rops

L’ordre intellectuel ne vaut que par temps calme. Quand le vent se tient et que le soleil brille. Dès que les premières secousses arrivent, un genou, une nuque, l’ordre est balayé, oublié, lessivé. Les excitants physiques de l’ordre sensible prennent les manettes et dirigent les débris du cerveau émietté vers les récifs aiguisés de la luxure. Et le plus beau penseur se retrouve illico dans un bocal au 15, rue de l’Ecole de Médecine afin de compléter un peu plus les anatomies pathologiques du Musée Dupuytren.

La liberté de ton de  Rops s’insère dans un contexte favorable : sa nationalité belge, pays où règne depuis longtemps une laïcité philosophique reconnue et fleurissante, progrès de la rationalité en cette fin de XIXème siècle et montée du libéralisme et d’une certaine tolérance, y compris dans certains milieux catholiques.

La Fondation de la Libre-pensée à Bruxelles voit le jour en 1863. L’esprit est depuis longtemps irrévérencieux et espiègle. Rops, dans ses débuts, participe comme caricaturiste à la conception du Crocodile, « la plus ancienne gazette estudiantine belge ». Et bien avant notre Groland, les étudiants, les jeunes belges ont nommé le « Grand Alligator, ministre de notre Intérieur »  et propose par exemple dans leur Palais de Crocodilopolis, un «bal monstro-chico-pyramido-flambard. »

Félicien Rops Satan semant des graines vers 1872

Si la religion est aussi facilement attaquée, c’est que les rationalistes ont dans cette partie du siècle le vent en poupe : 1859, sortie de l’Origine des espèces, la thèse évolutionniste de Darwin, en 1863 parait la Vie de Jésus de Renan qui suscita de nombreuses réactions dans la chrétienté, en 1856 est découvert l’Homme de Neandertal, qui repousse un peu plus les origines de l’homme sur terre et  questionne à nouveau les données relatives à la venue de l’homme sur terre…

Rops participe de cette frénésie avec en plus un message sur la bourgeoisie et l’ordre établi. Le message est moins politique que sociologique. Les bourgeois ont l’argent, le temps et donc l’énergie pour fréquenter certains lieux. L’être humain est faible et faillible, qu’il soit riche ou ouvrier. Par son désir, il s’engage dans une action répréhensible et défendue par le religieux. Cet acte peccamineux fait mettre la main dans la machine infernale qui entraînera et le bras et tout le corps, jusqu’à l’âme tant désirée par Satan.

Félicien Rops Pornokrates la femme au cochon

La luxure dans laquelle notre bourgeois se plonge lui permet avant tout de lâcher prise, de se relâcher. Le relâchement des codes et des principes dans une société où tout est déjà contrôlé.  Il semble y trouver une autre liberté.  Devenu cochon, la faute devient péché de bestialité : « si vous ne vous repentez pas de vos péchés, si vous ne faites pas pénitence, Dieu vous enverra aux flammes de l’enfer, accouplé aux démons pour toute l’éternité. Il y aura là des pleurs et des grincements de dents. » (Mgr Claret, La Clé d’or offertes aux nouveaux confesseurs pour les aider à ouvrir le cœur fermé de leurs pénitents, chapitre VII)

Rops sensible aux charmes féminins se sert de ses dessins comme d’un exorcisme, afin d’éloigner le démon qui le titille au quotidien. Connaître son ennemi afin de lutter à arme égale.  Pour bien lutter, il faut bien connaître. Même si notre ennemi n’est peut-être pas si loin que ça : « notre ennemi ne nous quitte jamais, parce que notre ennemi, c’est nous-mêmes» (proverbe espagnol).

 

Jacky Lavauzelle

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Camille Lemonnier
Félicien Rops, l’homme et l’artiste
H. Floury, 1908
Chapitre III Pages 11 à 16

Ce tragique visionnaire d’humanité débute par la farce. Il est dans sa destinée de préluder à sa descente aux cercles de l’enfer par des saturnales tintamaresques où son esprit luron de Wallon se donne carrière. C’est l’éveil du grand rire terrible qu’il garda jusque dans ses pires conjectures des perversions de la créature. Il fut une espèce de Juvénal mêlé d’Aristophane et de Rabelais. Il rit comme un Jérémie brâme, avec la volupté torturante d’être l’aboutissement de l’universelle contradiction des âmes et de la chair. Nul, d’une discipline plus mordante, trempée en des mixtures de fiel, de soufre et de sang, ne fouilla la plaie de cette humanité qui commence à l’ange et finit à la bête. Il lui mit le groin dans son ordure ; il la plongea et replongea au puits de ses salacités. Il recommença à sa manière, une manière noire, la rouge chute des damnés d’un Rubens, versés au gouffre où les appelle l’aboi des dragons, tandis que là-haut, dans les tonnerres et les éclairs, sonnent les trompettes célestes. Ce sera l’un des aspects de son satanisme, à lui, de souffler par-dessus la démence des hommes, dans le grand cuivre tordu par ses poings, un rire qui est de la démence et qui est aussi de la souffrance.

Donc, Rops débute par la farce. Il s’amuse de bouffonneries en attendant que l’empan de son aile s’élargisse à la mesure des hauts vols. Il débride la large bonne humeur d’un caricaturiste : il n’est encore qu’Ulenspiegel, c’est-à-dire le franc rire à pleine panse, lui qui se créera plus tard le rire tragique à bouche fermée !

Le Crocodile était un journal d’étudiants et paraissait à Bruxelles. Une gaîté juvénile et frondeuse s’y divertissait aux dépens du philistin. De bons jeunes gens qui allaient devenir de parfaits notaires ou de ponctuels avoués y affectaient des airs délurés. On y pelaudait Géronte ; on y gourmait Bridoison ; du bout de sa batte, Arlequin envoyait dans les cintres le chapeau en poils de lapin de M. Prudhomme qui, plus tard, pour Félicien Rops, devait devenir le chapeau de M. Homais.

Dans le milieu provincial du vieux Bruxelles, la bande estudiantine faisait sonner ses grelots, lirait les sonnettes et ameutait la police, sans qu’il en résultât, au surplus, grand danger pour la tranquillité publique. Sans doute le beau Fély, avec sa moustache effilée et ses cheveux lovés en ailes de pigeon, l’air flambard sous son complet quadrillé, tel que nous le montre un portrait de l’époque, y figurait avantageusement. Il avait les yeux vifs et acérés

d’un jeune homme qui regarde à hauteur de la tête : on soupçonne qu’il dut prendre les cœurs à la volée, comme il prenait la taille à la Muse, celle de Gavarni, et, à coups de rire et de verve, l’entraînait dans sa sarabande.

Il dessine sur pierre ; il sait son métier et il a du talent : ses dessins, très habiles, sont de toutes les mains en attendant qu’ils soient seulement de la sienne. Mais on est en 1856 et il n’a que vingt-trois ans. Ah ! qu’il aime se gausser des bonnes gens comme le fit son aïeul des Flandres, cet Ulenspiegel, fils de Claes, l’endiablé ménétrier des kermesses, le boute-en-train des parties de gueule et de couteau ! C’est un nom qu’il faut s’habituer à voir revenir souvent dans cette période de sa vie, comme si une véritable consanguinité l’unissait au légendaire luron, terreur des niquedouilles. Cette généalogie vaut bien l’autre, au surplus, celle du magyar Boleslaw que d’un aplomb de pince-sans-rire il colportait. Rops, avec sa goutte de sang Wallon, fut de Flandre comme lui : leur race à tous deux s’apparente à Blès, à Bosch et à Breughel… »

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