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JEAN DUBUFFET : DE L’ART BRUT AU BRUT DE L’ART TOTEMIQUE (L’ARBRE BIPLAN)

JEAN DUBUFFET
L’ARBRE BIPLAN 1968
résine de polyester
 Museu Colecção Berardo
(Lisbonne)
 DE BELEM A BETHLEEM
de La Terre à la Transcendance

 Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (3)Passent les œuvres glanées par le monde au rythme des deux saisons portugaises, l’été et ce qui précède l’été. Passent les toiles dans le ciel chaud lisboète de l’art mondial. Filent les sculptures torsadées. Passent les œuvres entre les visiteurs fatigués portant encore dans leur chair le poids de la chaleur, de cette chaleur qui enveloppe Berardo ; des visiteurs lourds du poids de la fatigue de cette marche harassante qu’il a fallu faire en partant du Bairro Alto, de l’Alfama ou de la Praça do Comércio ; longue traversée initiatique où l’on croise encore comme par magie les pas de Vasco de Gama ; interminable tapis où se tiennent entremêlés ces millions de pavés blancs glissants et aveuglants. 

Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (7)

 

Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (6)Coulent les lignes entre le gothique flamboyant, les courbes mauresques, les façades de béton brut, les azulejos usés et de multiples tags politiques et engagés, plus insistants les uns que les autres. Craquent  les milliards de José Berardo qui reviennent en créations multiples, changeantes et multicolores. Suivent  les incontournables d’une visite, la Tour de Belém, les meilleurs pastéis de la pastéléria de Bélem bondée comme toujours par des flots de touristes armés de tongs et de bermudas, le monastère Mosteiro  dos Jerónimos, le Padrão dos Descobrimentos et encore un pastel pour la route longue où nos pieds s’enflamment. Passent les styles, du manuélin baroque au mauresque éclatant. Passent  les siècles, les époques de Manuel 1er, Afonso de Albuquerque au style post-colonial. Passent les grands mouvements dans les murs du Musée Berardo, Constructivisme, Abstraction, Digitale, Cubisme, Pop Art, Minimaliste, Art Brut, Surréalisme, les Warhol, Braque, Hamilton, Blake, Malevitch, Tinguely, de Kooning, Rodtchenko, Dalí,  Kline ou Ray…

Mais reste l’arbre posé devant l’entrée. Face aux éléments et aux turbulences des époques. Reste là, posé sur son tronc blanc, bigarré comme un platane, tagué lui-aussi, mais tagué  par des lianes noires et épaisses le fixant pour toujours dans la terre de Belém. Dubuffet trône là, dans sa blancheur éclatante. L’arbre, dans le bleu intense du ciel, brille. Et si, comme le souligne Bachelard, « tout ce qui brille voit », alors, nous sommes regardés de toutes parts, transpercés.

Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (8)

 C’est l’arbre biplan. L’arbre-avion, l’arbre qui plane. Un arbre qui devrait plutôt se nommer arbre sesquiplan au vu des deux parties inégales du branchage supérieur ; les deux hélices semblant se ramasser tel un ressort félicitant l’envol. Mais la terre résiste. L’arbre en fait ne semble pas vraiment vouloir décoler. Les lignes se multiplient sans savoir si elles viennent de l’arbre lui-même ou de la terre. Si la terre a engendré l’arbre ou si l’arbre lui-même n’est autre que le créateur de notre lieu.

Pour l’heure, c’est l’arbre qui trône entre le charme des lieux et les beautés du ventre du Musée. Eclats et beautés à ce point rassemblés. Pour Platon, la beauté est ce qui est le plus éclatant, de plus aimable, aimable parce qu’éclatant.

L’arbre Biplan en est l’Eclat.

Mais revenons à nos torsions et nos lignes, car, pour autant, la torsion s’arrête nette prise dans un espace-temps indéfini. Si en 1966, Jean Dubuffet s’engage dans des réalisations en volume, il passe rapidement au monumental. Les deux monuments, l’arbre et le musée, se regardent, se posent et s’opposent, l’un dans un mouvement figé dans l’élan et l’autre posé dans le gris de la masse. Nous voudrions pouvoir monter sur ses ailes improbables et découvrir le Tage lové dans la frondaison imaginaire.

Dans la cour chaude que frappent les vents venus de l’Atlantique ou du Tage, en fonction des heures de la journée, l’arbre se pose, mais sans offrir l’espace d’un repos, la quiétude de l’ombre dans la douceur de la sieste. Le repos et la fraîcheur sont à l’intérieur, notamment dans le hall large et serein.

Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (9)

Quand Dubuffet abandonne l’huile pour le marker, il découvre la force et les possibilités du polyester. Et cette force se place en toute modernité acceptée dans l’ouverture ou la clôture d’une visite qui ne sera jamais la dernière.

L’arbre donne une note finale à un parcours devenu initiatique. Une cerise sur le pastel de nata. L’arbre est l’entrée ou la sortie. L’alpha et l’oméga du Musée. Il est l’arbre au bout du champ sous lequel le paysan se repose et examine son travail accompli. Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (10)Il est la vraisemblance de la nature devenue polyester, une vraisemblance qui ouvre sa ramure sur l’entrée. Il est ce temps différent ; celui de la lenteur ; une lenteur qui se répand dans l’être et chasse la chaleur pour en créer une autre, plus douce et intense ; la chaleur d’une pensée au monde. Celle de l’attente et de l’ouverture. Celle de la lumière des pavés à notre éclairage intérieur.

Ce nouveau rayonnement, cette diffusion douce de chaleur se concentre à partir de L’Arbre biplan et se diffusera tout au long de la visite, comme le sachet au fond de la théière. C’est le parfum de l’arbre qui permettra le visible. Même si la visite se termine par la cour intérieure où l’arbre vous attend. Surtout si la visite se termine par là. Le visible rendu possible par l’invisible. La découverte se fera alors brusquement dans l’instantanéité. Alors et dans ce sens seulement, la visite prendra un autre sens. L’arbre permettra alors le dévoilement d’un mystère. Un mystère différent pour chacun.

Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (11)

Dans l’instant de la rencontre dans le mouvement entre ce blanc et ce noir de la ligne. Conforme au modèle sans modèle. Qui attend le spectateur et lui demande des comptes, dans le silence des quelques tongs qui frappent le pavé là-bas, au fond, au niveau des boutiques où trônent les reproductions indéfinies.

Dans le désordre des lignes du tronc et des branches, ni mélancolie, ni angoisse. De la sérénité d’abord. De la respiration aussi. Quand les yeux suivent les méandres et que le corps tourne autour de l’arbre, la chaleur extérieure aidant, le mouvement peut devenir hypnotique. Quand l’arbre termine la visite, le mouvement peut devenir, s’il n’y prête garde, extatique.Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (12)

L’arbre, devenu Totem, nous entraîne alors dans sa dimension propre. A ce moment seulement, le spectateur se rend compte que c’est l’arbre qui couvre le Musée. Que c’est l’arbre qui envahit la forêt des œuvres. Que c’est l’arbre qui compte et que le Musée n’est plus que ce presque-rien. Que l’Arbre est devenu l’œuvre, complète, totale. Une œuvre de foi.

Jean DUBUFFET Museu Berardo Portugal Lisboa (13)Bélem redevenu Bethléem.

Si la réduction est le « commencement » de la phénoménologie chez Husserl, entendu comme science des phénomènes purs. Nous entrons avec Dubuffet dans l’augmentation, la foi des phénomènes totémiques.

De la terre à la transcendance. Nouvelle célébration.

Comme le soulignait Jean-Louis Chrétien, dans l’Effroi du beau :  » A rester sans célébration, que manquerait-il à la beauté ? …Nul compliment n’est requis à cette plénitude et il n’y a pas de réponse à ce qui ne fait pas question. A la beauté notre chant est superflu. Mais il est de cette beauté le propre superflu et seul l’aveugle qui l’ignore pourrait consoler le muet.« 

Jacky Lavauzelle

LA MARIEE (NIKI DE ST PHALLE) LA ROBE DE LA SOUFFRANCE ET DU SACRIFICE

Niki de Saint Phalle

La Mariée
1963  

Niki de Saint Phalle La Mariée 1963 Museu Berardo Lisboa Lisbonne

Museu Berardo (Lisboa – Lisbonne)

LA ROBE DE LA SOUFFRANCE

ET DU SACRIFICE
Le mariage est souvent lié à la contrainte et à la privation de liberté que l’on retrouve dans de nombreuses citations : c’est « la mort morale de toute indépendance » (Dostoïevski), ou ce « miracle qui transforme le baiser d’un plaisir à un devoir » ou ce «moment où un homme cesse de porter un toast à une femme et où elle commence à lui porter sur les nerfs »  (Helen Rowland), par lui « la femme devient libre ; par lui, l’homme perd sa liberté » (Emmanuel Kant), « Il y a deux sortes de mariages : le mariage blanc et le mariage multicolore parce que chacun des deux conjoints en voit de toutes les couleurs » (Courteline), « C’est la cause principale du divorce » (Oscar Wilde)…

Niki de Saint Phalle La Mariée Lisbonne Museu Berardo

UN DUO OU UN DUEL
…Et nous pourrions continuer longtemps dans les mêmes veines noires et catégoriques. Il est difficile de trouver des textes qui encensent cette institution, voire ce sacrement.  Emile Augier tente le compromis, c’est «un duo ou un duel ». Les proverbes que l’on se lance pour éloigner les tristes présages sont à chercher dans la culture populaire, comme pour se donner du courage : « mariage pluvieux, mariage heureux »

Si tout cela n’est guère réjouissant, l’œuvre qui se pose au Museu Berardo dans le quartier de Belem de Lisbonne va finir par achever cette vieille institution. Mais nous sommes en 1963. Et la mariage ressortira de ces cendres…

LA MARIEE Niki de Saint Phalle Museu Berardo Lisboa Belem 1963

UNE CHARGE VIRULENTE
Cette idée du mariage-prison-rituel-obligation-souffrance-devoirs s’est déclamée depuis plusieurs siècles dans le théâtre, voire la peinture. Pour la sculpture, Niki de Saint Phalle s’y colle avec une charge virulente et violente contre cette institution.

De loin, l’œuvre participe à la pensée qui accompagne le décorum. Nous reconnaissons d’emblée le personnage. La robe est grande et majestueuse. Le blanc dentelé à souhait. Le blanc de la virginité, de l’absence de fautes.

La Mariée 1963 Niki de Saint-Phalle Museu Berardo Lisboa Détail retouché

LA VERITE TELLE QU’ELLE EST
En s’approchant nous découvrons un champ de guerre où des soldats miniatures se déchirent, avec des chevaux couchés, éventrés, des roues sans essieux. La vision de près fait plus penser à Guernica, qu’à un mannequin portant sa robe du grand jour. Nous participons à la logique inversée au pointillisme. La vérité de l’œuvre se fait en zoomant et non pas dans sa globalité. Le tout représente le réel tel qu’il se montre ; le détail tel qu’il est.

LA MERE GOUVERNE LE MONDE
Une étape intermédiaire s’impose au regard. Celle de l’armure. La robe semble beaucoup trop lourde avec des épaulettes surdimensionnées. C’est la cavalière à la blanche armure qui part en attendant son blanc destrier. On penserait presqu’à la chanson de Cabrel, «  elle a dû faire toutes les guerres, pour être si forte aujourd’hui… » Avec cette robe, la femme porte d’emblée les tenues de mère, d’éducatrice : « L’éducation morale est ‘la tâche la plus haute’ (Chambon, Le Livre des mères) de la mère, sa ‘mission providentielle’ (Paul Combes), ‘son chef d’œuvre absolu’ (J. Van Agt, Les Grands Hommes et leurs mères). Elle fait d’elle, la créatrice par excellence ‘à côté de laquelle l’artiste le plus consommé n’est qu’un apprenti’ (Père Didon, Le Rôle de la mère dans l’éducation de ses fils). Mieux encore, en gouvernant l’enfant, la mère gouverne le monde. Son influence s’étend de la famille à la société, et tous répètent que les hommes sont ce que les femmes les font. » (Elisabeth Badinder, L’Amour en plus, L’Amour forcé, P254-255, Editions Flammarion, 1980)

1La Mariée 1963 Niki de Saint-Phalle Museu Berardo Lisboa

 

LA SOURCE LA PLUS SÛRE DU BONHEUR
Cette armure a du poids. Un poids moral. Un poids sociétal. Le poids du monde sur ces frêles épaules. Si nous continuons la lecture d’Elisabeth Badinter dans l’ouvrage cité ci-dessus, nous abordons le dévouement et le sacrifice. «Au fur et à mesure que la fonction maternelle se chargeait de nouvelles responsabilités, on répétait toujours plus haut que le dévouement était partie intégrante de la ‘nature’ féminine, et que là était la source la plus sûre du bonheur. » (L’idéologie du dévouement et du sacrifice, p264)

Cette robe de mariée est bien plus qu’une armure qui ne la protège de rien. Le malheur ne vient pas de l’extérieur, mais de la robe elle-même. C’est elle qui est la douleur. Elle est une longue narration sur des siècles de souffrance qui s’affiche comme autant de plaintes et de désespoir. La douleur de tous ces corps. Tous ces corps sont comme carbonisés et recouverts de cendres. Ces corps miniaturisés mais qui sont autant de sommes du désespoir et de la souffrance. 

LE MARIAGE POUR TOUS OU POUR PERSONNE
C’est tout le poids des malheurs du monde qu’elle porte sur son corps. Et la simple couronne, semble elle aussi se transformer en une couronne christique de ronces.

Niki de Saint Phalle fait porter à cette robe tout ce que la société peut enfanter d’enfermement et de scandale. La condition de la mariée ne la libère pas, bien au contraire. Niki la plaint. L’époque n’était pas la même non plus. Nous n’étions pas sur le slogan du mariage pour tous d’aujourd’hui, mais du mariage pour personne. C’était une autre époque.

Jacky Lavauzelle

D'après Niki de Saint Phalle La Mariée